Después de el tutorial sobre panografías que escribí hace ya ni se sabe para este blog, esta vez os presento el vídeo de la charla sobre esta misma técnica que ofrecí el pasado sábado en la escuela de arquitectura de Sevilla, con motivo de la Semana Cultural: Espacio Protegido.

Os pongo también la presentación de diapositivas ella sola, para que veais mejor las imágenes, aunque podeis bajaros el pdf (20 megas):

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Espero que os guste y que os sea productiva, ya me contareis que os ha parecido…

Actualización: he tenido algun problema con el video, espero que esta vez se pueda ver completo y no me lo retiren por alguna razón desconocida…

Esta es la imagen galardonada con el World Press photo 2007, es decir, la mejor foto de prensa del año. Es la foto de un soldado estadounidense exhausto en un búnker de Afganistán, del britanico Tim Hetherington (Vanity Fair).

En un concurso al que se han presentado 5.019 participantes de 125 países, lo que supone un récord en estos premios, el jurado ha descrito la fotografía como una imagen que muestra el cansancio de un hombre “y de una nación”. “Esto nos afecta a todos. Es una imagen de un hombre al límite”, ha afirmado el presidente del jurado, Gary Knight.

Podéis ver el resto de fotos galardonadas en la galería de ganadores, donde hay fotos verdaderamente acojonantes.

Para no dejar esta noticia solo en eso, en noticia, me gustaría recuperar un debate surgido hace unos días en los foros de etsas.org, donde hablábamos sobre los fotoperiodistas, que retratan muchas veces realidades que remueven nuestras conciencias, sin, aparentemente, tomar parte en ellas. En guerras, donde se juegan la vida fotografiando a gente que en cualquier momento puede decidir dispararles a ellos, o en el tercer mundo, donde fotografían personas en condiciones donde cualquiera diría que en vez de sacar la foto, correría a socorrer al fotografiado.

Yo creo que hoy en día, en un mundo globalmente mediatizado, en el que internet permite una difusión antes impensable de las fotos, al menos en el primer mundo, donde esas fotos deberían tener mayor repercusión moral, la labor de esos fotógrafos resulta vital. Nos enseñan muchas veces lo que no queremos ver, nos hacen pensar en nuestro mundo un paso mas allá de lo obvio, mirando desde el punto de vista de las personas, enseñándonos muchas veces cosas que están “más cerca de lo que pensamos y más ocultas de lo que imaginamos” (como dice CoZuK).

Para terminar os dejo con una cita del fotógrafo Eddie Adams, autor de la famosa foto del jefe de la policía de Vietnam del Sur, Nguyen Ngoc Loan, disparando a bocajarro a un prisionero del Vietcong.

The general killed the Viet Cong; I killed the general with my camera. Still photographs are the most powerful weapon in the world. People believe them; but photographs do lie, even without manipulation. They are only half-truths.

What the photograph didn’t say was, ‘What would you do if you were the general at that time and place on that hot day, and you caught the so-called bad guy after he blew away one, two or three American people?’

El MUSAC (museo de arte contemporáneo de León) es obra de los arquitectos Mansilla+Tuñon, y está en León.

Sobre un gran plano urbano, el MUSAC dibuja el escenario del arte con la misma actitud optimista con la que los agrimensores romanos trazaban las ciudades sobre el paisaje. Frente a otro tipo de espacios cuya cualidad museística se centra en la exposición de colecciones históricas cerradas, el MUSAC es un espacio vivo que abre las puertas a una gran diversidad de manifestaciones artísticas contemporáneas; un centro de arte que construye un conjunto de tableros de juego donde las acciones son las protagonistas del propio espacio; una estructura que se desarrolla a partir de un sistema abierto, formado por un tejido de cuadrados y rombos, que permite construir una geografía secreta de la memoria.

El MUSAC es un nuevo espacio para la cultura, entendida esta como aquello que hace visibles los vínculos entre los hombres y la naturaleza. Un conjunto de salas de exposiciones autónomas y encadenadas permite realizar exposiciones de diferentes tamaños y características; cada sala, de forma quebrada, construye un espacio continuo, pero diferenciado espacialmente, que se abre a las otras salas y patios, propiciando visiones longitudinales, transversales y diagonales. Quinientas vigas prefabricadas cierran unos espacios caracterizados por la repetición sistemática y la expresividad formal.

Al exterior, el espacio público adquiere una forma cóncava para acoger las actividades y encuentros, recogido por grandes vidrios de colores, siendo el lugar donde se rinde homenaje a la cuidad como espacio de relación entre las personas. En su interior, una gran superficie de espacios continuos pero distintos, salpicados de patios y grandes lucernarios, da forma a un sistema expresivo que nos habla del interés que comparten la arquitectura y el arte: la manifestación contemporánea de lo variable y lo perenne, de lo igual y lo distinto, de lo universal y lo transitorio, como un eco de nuestra propia diversidad e igualdad como personas.

En su extension, como un edificio de una sola planta construido con muros de hormigón blanco y grandes vidrios de colores al exterior, el MUSAC quiere ser un espacio donde el arte se sienta cómodo y ayude a borrar las fronteras entre lo privado y lo público, entre el ocio y el trabajo y, en definitiva, entre el arte y la vida.

Mansilla + Tuñón ( Texto de la Revista 2-G nº 27) Extraído de musac.es

Lo primero a destacar de este edificio seria su parte no material, es decir, la propia web del museo, donde podréis encontrar amplia información sobre las cosas que van ocurriendo en el museo, de las que ocurrieron y de las que ocurrirán (de manera muy detallada y documentada), así como del propio edificio (hay unas panorámicas de estas que te vas moviendo junto con el ratón que son una pasada). No os la perdáis porque merece una visita regular. Lo segundo sería el carácter innovador del museo, o al menos diferente a los museos tradicionales.

El MUSAC se encuentra trabajando exclusivamente en el área temporal del presente, marcado por la memoria más cercana: el museo se inicia con la idea de desarrollar un nuevo comportamiento a la hora de abordar el arte del siglo XXI. Los años finales del siglo pasado supondrán el inicio del parámetro temporal del que partir. De esta forma, el MUSAC aparece como un claro exponente de una nueva etapa cultural, donde ya aparecen asentados valores estéticos y comportamientos artísticos que en un momento pasado fueron revolucionarios.

El museo se construye con la idea de ser un lugar interrelacional donde el público deje de ser un mero elemento pasivo que contempla. Talleres, charlas, encuentros con los artistas, guías didácticas y obras en las que el espectador interactúa, son algunos de los elementos imprescindibles en la dinámica del MUSAC.

Texto extraído de la wikipedia

Y lo tercero, evidentemente, su arquitectura, que recibió el año pasado el premio Mies van der Rohe. La verdad es que cuando fui iba un tanto condicionado porque ya me esperaba algo del edificio, me gustaba desde antes, pero verlo en persona no tiene comparación con la mejor foto. La fachada de colores es espectacular y el interior tampoco tiene desperdicio.

Hay que decir que cuando Tuñon y Mansilla proyectaron el museo, el emplazamiento y el uso exacto del museo no estaban definidos, y por tanto, pensaron que una solución modular podría dar solución tanto a una posible variación del tamaño del edificio como a los diferentes posibles usos del mismo. Se decidieron por una especie de modulo con forma de rombo, que junto con la fachada de colores (de la que hablaremos después) es la seña del museo. Estos módulos permiten crear unos espacios versátiles dentro del museo, ya que mediante vigas prefabricadas salvan toda la luz del espacio evitando así cualquier elemento vertical y consiguiendo espacios diáfanos sin interrupciones.

En lo referente a la fachada, es totalmente opaca, como en la mayoría de museos, y esta rematada con una modulación de vidrios que en la parte de la plaza es coloreada, y en el resto incolora. La parte incolora (o color vidrio opaco, si es que existe) da una fachada a las casas colindantes menos “dura” que la de color, y aunque no podemos hablar de integración mimética precisamente, yo creo que encaja perfectamente con la ciudad existente. La parte de color, como ya decía antes, es espectacular, esta basada en la única vidriera no religiosa de la catedral de León (con una interpretación una tanto libre deduzco), y da un frente alegre, sorprendente para el que llega, porque según te vas acercando a la entrada del museo, parece que este te va abrazando.

En general la sensación que me quedo a mi cuando lo visite se dividía entre el propio edificio, que me sorprendió pese a que lo conocía (en planos y fotos se entiende), y entre el propio museo entidad. El edificio me pareció bien pensado, bien encajado en el sitio, muy bien integrado con los edificios colindantes y a la vez destacando en su justa medida, cuando pasabas por la calle algo te llevaba a mirar un poco mas allá, a descubrir que había en aquella esquina, y cuando descubrías la entrada, no podías resistir entrar, descubrir que habría detrás de tantos colores, si me permitís la comparación, como Hansel y Gretel acercándose embelesados a la casa de golosinas de la bruja, pero sin bruja, claro. En este caso en vez de bruja lo que hay dentro es algo diferente, al menos diferente a lo que yo conozco (que tampoco es mucho). Una propuesta de museo mucho mas participativa, menos contemplativa, como mucho mas dispuesto a la interactuación con el visitante, ya sea mediante los servicios permanentes de biblioteca y documentación, como por los numerosos talleres, charlas, cursos, etc. que organizaban. Mas dispuesto también a la exposición de lo actual, pero mas allá de la moda, intentando buscando lo que realmente representa al arte actual, invitando y colaborando de manera muy activa con artistas locales o cercanos al museo.

Todo esto claro con la visita de un día, como os habréis dado cuenta me dejó fascinado, pero es que realmente merece la pena verlo, por el edificio y por el propio museo. Espero volver pronto.

Las Bodegas Ysios están en Laguardia, en la rioja Alavesa, y son obra de Santiago Calatrava.

La obra se basa en dos muros portantes de hormigón armado, separados 26 metros entre ellos, y revestidos por lamas de madera cuperizada en sentido vertical, consiguiéndose mediante el reflejo de los muros en los estanques la figura de grandes toneles que nos recuerdan el objetivo de la edificación.
Estos muros mantienen una sinusoide en planta, actuando como cerramiento longitudinal de la bodega, cuya longitud total es de 196 metros.
La cubierta es el elemento fundamental en la concepción del proyecto. El material empleado en su acabado exterior es el aluminio natural, que contrasta con la calidez de la madera, además de optimizar las posibilidades dinámicas del singular edificio.
Estructuralmente está formada por vigas de madera laminada, que apoyan sobre los muros laterales, colocadas sobre planos inclinados y en sentido transversal al eje longitudinal del edificio. Así, su envolvente exterior crea una superficie reglada combinando superficies cóncavas y convexas.

Extraído de “Valle Najerilla“

Esta es una mas de las bodegas creadas a partir de “la moda del vino”, pensadas tanto para hacer vino, que es su principal función y la que nunca se debería olvidar, como para atraer visitantes a través de su imagen y para darles a estos una visita integral de lo que pasa en la bodega. El nombre del arquitecto no esta elegido al azar por tanto, aunque de todas maneras esta debe de ser un de las obras mas contenidas de Calatrava, para lo que el suele ser, esta bastante modesta, con menos artificio del que nos tiene habituados, aunque por lo que me han contado, el proyecto original no era precisamente recatado. No tuve oportunidad de entrar dentro, así que solo me quede con el aspecto exterior, y es una pena porque por las fotos que he visto y por lo que dicen, el interior merece la pena.

Lo primero que llama la atención es el entorno, a las faldas de la Sierra de Cantabria, mirando al paisaje llano que se presenta a sus pies, parece la puerta entre dos mundos. Como un lugar de peregrinación de la uva, abrazando a la tierra pero mirando al cielo, a las montañas cubiertas de nubes, dejando entrever lo que ocurre dentro, donde de algo terrenal sale algo divino. Pero volvamos a la tierra antes de que me ponga demasiado poético.

La bodega es un largo pabellón alargado en el que el proceso del vino sigue un proceso lineal desde que la uva entra por uno de los lados, y acaba en las barricas que descansan en el otro extremo. La solución utilizada para esta estructura son dos muros portantes exteriores ondulados que sujetan una cubierta que se va ondulando también creando una superficie alabeada. Se supone que esta ondulación esta basada, o recuerda a las barricas, al menos en la fachada principal acabada en madera, pero lo cierto es que a mi me recuerda mas a unas olas, olas de metal en un mar de tierra.

La única variación, al menos en el exterior de esta alargada bodega es la entrada, donde la curvatura de la cubierta se acentúa para marcar la centralidad de una bodega que parece que pudiera alargarse por los costados de manera infinita. Esta centralidad no es tal en el proceso del vino, puesto que como decíamos este sigue un proceso transversal, pero para una bodega que recibe 20.000 visitantes al año, sigue siendo la función principal la de hacer vino?

Aun a riesgo de ser degollado por las ordas de gente que odia a Calatrava, he de reconocer que esta obra suya me gusto bastante. Pocos tirantes, formas de hueso y anatomías humanas, dos “movimientos” sencillos, como unas olas en una mar que no existe, y listo. Sin complicarse la vida, resolviendo lo que hay que resolver, siendo modesto con el entorno, integrándose bastante bien, dándole un toque que lo distingue en el paisaje pero sin pasar sobre el.

Los brillos del tejado (que estaban reparando en el momento, otra vez la duda de la superarquitectura o la superchapuza), la fachada de madera, junto con los reflejos del estanque que separa al visitante del edificio le dan un poco de “intocable”, parece que mientras te deja ver que es de la tierra, que esta ahí al alcance de tu mano (como la viña), no deje de recordarte que lo que dentro ocurre es proceso milenario, algo mas “sagrado”.

En fin, que tanto el entorno como la bodega quedan bien integrados, la espectacularidad de la bodega (necesaria por concepción) no resulta exagerada, y el resultado acaba siendo mas que satisfactorio aunque quizas soy demasiado indulgente, o demasiado poético, sera por el vino?

Las bodegas Ramón López de Heredia Viña Tondonia, para la cual Zaha Hadid ha hecho una pequeña intervención, se encuentran en Haro, La Rioja.

María José López de Heredia le mandó un e-mail a Zaha Hadid contándole su caso. Tenía en el trastero una caseta que su bisabuelo había llevado a la Exposición Universal de 1910 y quería ponerle una cubierta para celebrar el 125º aniversario de la empresa familiar. “Vino al estudio”, cuenta la arquitecta iraquí, “y habló durante varias horas, al final ya éramos parte de la familia. Nos intrigó que nos escogiese; en sus bodegas, los procesos permanecen inalterados por la moda generación tras generación. Las paredes están construidas con técnicas perdidas de los romanos. Fue un acto de fe por su parte. Era imposible negarse”. Cuatro años después de aquel e-mail, María José tiene un hadid en la entrada de su bodega “como quien tiene un picasso en su casa”. “Se supone que es una botella, pero Zaha tiene esa mente que todo lo estroncia, una mente líquida, y parece más una frasca”, dice la bodeguera. “El hilo conductor es enfrentar lo nuevo a lo antiguo”, dice desde Londres la arquitecta, cuyo edificio alberga la tienda y las salas de cata. Una joya de modernidad y audacia dentro de una bodega del XIX, donde todo se hace, según María José, “con artilugios juliovernianos”. Las tinas de madera tienen más de 100 años, los filtros son gavillas de sarmientos, la instalación eléctrica es la original y el moho controla la humedad. Y en medio de todo esto (justo la idea que tenemos de una bodega, oscura, misteriosa y con telarañas) se sienta un hadid dorado y líquido con un interior sacado de La naranja mecánica.

“No escogí a una arquitecta famosa por marketing”, explica María José. De Hadid le gustó, además de su obra, que fuese mujer y algo que leyó que había dicho: “La arquitectura sólo tendrá importancia cuando los particulares apuesten por el riesgo”. Quizá precisamente por ello, la única arquitecta que ha ganado un Premio Pritzker aceptó (antes de ganarlo, eso sí) el proyecto de una pequeña empresa familiar dirigida por una mujer que defiende que “por mucho glamour que se inventen, los bodegueros somos agricultores”. La tenaz riojana ya ha liado otra vez a la diva iraquí: “Le he dicho: ‘Zaha, a ver si me montas ahí arriba un museo bien bonito para meter todo lo del bisabuelo. Y hazme un precio pre-Pritzker, ¿eh?”.

Extraído de El País, donde hablan también de las otras bodegas.

En este caso la intervención de Zaha no es ni integral (como en las Bodegas Baigorri y Bodegas Darien) ni circunstancial (como el caso de Marques de Riscal). Es un elemento mínimo que se construyo para dar cobijo a una caseta que la bodega construyo en 1910, que posteriormente se ha acoplado a una de las instalaciones mas antiguas de La Rioja, por tanto no es mas que un “añadido” a la bodega. El elemento que Zaha diseño para Viña Tondonia acoge hoy en día la caseta en cuestión, la tienda y el acceso a una sala de catas que se encuentra en un piso inferior diseñada también (pero no acabada) por la arquitecta.

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Lo único que parece librar a la bodega de la utilización efectista de la arquitectura es haber elegido a la arquitecta antes de su elección como Pritzker, lo cual los honra de apuntarse a modas (como el ayuntamiento de Bilbao, por ejemplo), no obstante seguro la eligieron por el tipo de arquitectura que hace. Claro que eso les ha llevado a tener el proyecto en construcción todavia ya que la fama mundial impide, por lo visto, acabar el trabajo al estudio de Zaha.

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En lo puramente arquitectónico la boutique (que es lo que se supone que es) no tiene mucho donde rascar, un par de paredes curvas al estilo Zaha, unas rayas en el suelo exterior también al estilo, un techo posterior (en el tiempo), exento y totalmente rectilíneo (aunque en la foto no lo parezca) realizado porque la boutique se inundaba cuando llovía (se puede decir que porque no estaba previsto su uso exterior, se puede decir que es que estos superarquitectos solo hacen chapuzas…) y que no pega ni con cola.

Vamos, que esta bien, pero tampoco es que sea la leche, muy moderno, muy fashion, pero la verdad es que no desentona del todo con lo mas antiguo de la bodega, las “catacumbas” talladas en la piedra y a las que se accede (al menos por parte del publico) desde el sótano de la boutique de Zaha. Si el hilo conductor y o que se queria conseguir era enfrentar lo nuevo a lo antiguo, esta amplia y satisfactoriamente conseguido en mi opinión. Siento repetirme, pero lo mejor una vez mas, el vino, en este caso, irrepetible (aunque penséis que me pille un buen pedo a tanto vino, no fue pa tanto, y mi juicio no quedo cegado ante la maravilla se semejantes caldos, como Gehry, podeis confiar en mi, y sino visitadlo y veréis…).

Las Bodegas Darien están en Logroño, La Rioja, y son obra del arquitecto Jesús Marino Pascual.

Bodegas Darien conjuga toda la esencia tradicional de Rioja con una visión de vanguardia, tanto en los vinos, como en la bodega, su gastronomía y su arte.

Rodeada de los viñedos de la finca Darien I, la bodega se sumerge en la tierra para cobijar y guardar los vinos y se abre al exterior en un espacio arquitectónico a ritmo de líneas rectas y volúmenes prismáticos, inspirados en el propio viñedo riojano: “…donde las terrazas entre dos viñedos dan lugar a ribazos y de ellos emergen piedras, piedras con aristas todavía no erosionadas por el viento…”. Aunque todo nace en los viñedos, donde el racimo es cuidado y mimado hasta su vendimia en pequeñas cajas, toda la belleza exterior se transfiere al interior donde se sigue cuidando todo el proceso de elaboración, crianza en barrica y afinamiento en botella. La recompensa final son unos vinos de gran calidad, donde la fruta y la madera están sabiamente integradas y equilibradas, vinos que mantienen esa tipicidad de Rioja pero con una componente moderna que tanto fascina al consumidor.

El arte está presente en Darien con una Colección única en el mundo de Cerámica Popular Riojana (XV-XX) con piezas de los diferentes alfares de Rioja. Esencia riojana con colecciones temporales de creaciones vanguardistas…

Los congresos, reuniones empresariales, actividades culturales… toman un encanto especial en una bodega tan singular como Darien.

Extraído de Logroño Turismo.

Si las Bodegas Baigorri eran unas bodegas consagradas al vino, en la que la arquitectura no jugaba un papel protagonista sino que lo cedía mas al vino, y las Bodegas Marques de Riscal eran unas bodegas consagradas a la arquitectura, donde el vino parecía pasar a un segundo plano, las Bodegas Darien son un termino medio, donde la arquitectura es protagonista pero junto con el vino, no sobre el.

Evidentemente en esta bodega, la arquitectura de la misma juega un papel protagonista, pero no únicamente a modo de imagen, ya que funcionalmente responde a ciertas necesidades de la elaboración del vino. Pero no solamente se queda en eso, ya que el edificio también alberga una serie de servicios dispuestos para una utilización integral en torno al vino, ya que aparte de la propia bodega, tiene un restaurante, una sala de convenciones, una sala de catas… y espacios de trabajo concebidos para su posterior visita.

Yo creo que el uso de la arquitectura como elemento publicitario de la bodega es razonable en este caso. La utilizan como imagen, pero no supeditan su principal negocio, el vino, al edificio, sino que integran ambas funciones, de manera que aunque las salas de elaboración del vino y su almacenaje están preparadas para que las maquinas y las personas puedan usarlas con comodidad mientras trabajan, también están adecuadas y pensadas para poder ser usadas con motivos turísticos.

En fin, me parece un edifico bonito, hecho cuidando el detalle, y que merece la pena que visitéis si tenéis la oportunidad. Organizan desde visitas guiadas hasta cursos de catas, y en el restaurante podréis comer con unas vistas espectaculares de los viñedos. Tenéis fotos del proyecto, planos y algunas cosas mas en la web de los arquitectos. Lo mejor, como siempre, el vino, no dejéis de probarlo.

Las bodegas Marques de Riscal están el Elciego, en la rioja alavesa, y son obra, al menos en parte, del arquitecto Frank Gehry.

La Ciudad del Vino, situada en Elciego (Álava), es un complejo compuesto por la antigua bodega de Marqués de Riscal (1858), la más antigua de Rioja, así como un nuevo edificio diseñado por el arquitecto canadiense, Frank O. Gehry, y que acoge un hotel, un spa de vinoterapia, un exclusivo restaurante, así como un centro de reuniones y convenciones.
La mejor representación del espíritu innovador de Marqués de Riscal y su mundo de sensaciones es, sin duda, el edificio diseñado por Frank O. Gehry, una obra, que aunque llena de formas, está en perfecta sintonía con el paisaje de la zona.

Al igual que el Museo Guggenheim, el edificio diseñado por Gehry está recubierto de titanio, aunque en este caso, el arquitecto ha querido impregnar su obra de los colores de Marqués de Riscal: rosa, como el vino tino, oro, como la malla de las botellas de Riscal, y plata, como la cápsula de la botella.

Herederos del Marqués de Riscal tenía claro que quería realizar un edificio vanguardista que despertara emociones. Para conseguirlo pensó en Frank O. Gehry, un arquitecto de prestigio mundial conocido por obras como el Museo Guggenheim de Bilbao.

Cuando se planteó el proyecto, el equipo de Marqués de Riscal no tenía claro que Gehry aceptara. Pero se le presentó la propuesta, acompañada de un vino del año de su nacimiento (1929), y aceptó con gran entusiasmo, además, él nunca había diseñado una bodega, y para él suponía un nuevo reto.

Extraído de la web de Marques de Riscal

Ya os hable de como las Bodegas Baigorri aunaban el vino y su elaboración con la arquitectura, pues creo que esto es justo la antítesis, ya que aunque el proceso de elaboración del vino esta muy cuidado, no tiene absolutamente nada que ver con la arquitectura, al menos con la de Gehry. El hotel es un puro artificio, un reclamo para turistas que puedan pagarlo ya que los que no podemos, solo lo podemos ver desde la lejanía, la única relación esta en que los cimientos están justo en la bodega, donde guardan la “reserva Gehry”, que se hizo el año de la inauguración del edificio.

La arquitectura de Gehry se parece a si misma de manera sospechosa, pero no por ello deja de tener su encanto (al menos a mi me gusta), es decir, no me estoy metiendo con el edificio en si, es mas bien la utilización de la arquitectura como puro objeto decorativo lo que me chirría en este proyecto.

Lo que los de Marques de Riscal han montado es todo un espectáculo sobre el vino con un hotel, un spa, un restaurante, y le han puesto la mejor fachada que le podían poner, la de un arquitecto estrella al que convencieron con vino, lo cual resulta muy apropiado teniendo en cuanta la borrachera que supone la visita.

En la visita te emborrachan con la vista de las chapas brillantes y onduladas, con los colores del vino, la tierra y la bodega pero luego enseguida llega el bajón ya que apenas se ve el hotel de pasada, y aunque la elaboración del vino y toda la historia de la bodega, que no es poca, no resulta para nada desdeñable, uno se siente un poco defraudado por lo poco que tiene que ver todo con el edificio que da la imagen y publicidad a todo el tinglado. De todas maneras la visita no esta tan mal ya que como la bodega tiene una gran historia, das un recorrido bastante amplio y completo de la historia del vino y su elaboración, eso si, no esperéis encontraros con algo centrado en Gehry, eso quizás cuando me toque la lotería o cuando las millones de visitas al blog me permitan pagarme un fin de semana allí para poder contarlo mejor.

Lo mejor, el vino, que esta buenísimo.

Las Bodegas Baigorri están en Samaniego, en la rioja Alavesa, y son obra del arquitecto Iñaki Aspiazu.

Estas bodegas son de una bodega relativamente joven, pero que ha apostado claramente por la innovación, tanto en la arquitectura como en la elaboración de sus vinos. Pero la parte de arquitectura no se queda en puro artefacto o como reclamo para la bodega, sino que va mas allá ya que se relaciona de manera directa con la propia elaboración.

Durante un dilatado período de estudio y elaboración de proyecto conjuntamente entre promotor y arquitecto, se han cuestionado todos los sistemas de elaboración y se toma la gravedad como aliado principal, evitando la utilización de bombas, tolvas, maquinaria en general… donde la uva pueda salir dañada.

Se cuida y respeta la implantación de la arquitectura del paisaje, la Bodega se insinúa y se adapta a la topografía existente y desarrolla su programa bajo el terreno adoptando una posición sumisa y de respeto al medio donde se enclava.

Texto extraído de la web del arquitecto, aspiazu.com

La entrada se hace desde una pieza totalmente acristalada (que podéis ver en las fotos superiores) desde la que se puede disfrutar de el paisaje riojano y desde el que difícilmente se puede intuir lo que ocurre bajo tus pies. Después se va bajando hacia abajo viendo todo el proceso de el elaboración del vino para finalmente llegar al restaurante que vuelve a salir a la superficie. Aquí algunas fotos extraídas de la web de los arquitectos.

La verdad es que la bodega es una pasada, la pieza superior tiene una presencia muy elegante, y como decía, no deja ni imaginar lo que hay debajo, las vistas después son espectaculares con “el techo” de la bodega haciendo de escaleras que invitan a sentarse para disfrutar del lugar. La bajada por dentro y la vista de la bodega que se puede apreciar casi en su totalidad desde la parte superior son impactantes, luego se va bajando poco a poco por los seis pisos agujereados en el monte para acabar en el restaurante con la cata del vino, que no esta nada mal. Podéis ver algunas fotos mas en mi cuenta de flickr, no tengo interiores pero en la web de la bodega podéis disfrutar de una panorámicas espectaculares del interior, si tenéis la oportunidad de ir en persona, no lo dudéis, disfrutareis del edificio, y del vino, claro.

Hoy es el día de los inocentes, y aunque lo típico es hacer alguna bromilla lo cierto es que el origen del día se debe a la matanza de todos los niños menores de dos años (de ahí lo de Santos Inocentes) realizada por el rey Herodes, que quería deshacerse del recién nacido Mesías. Bueno, en realidad se debe a eso y a la magnifica mezcla de conmemoraciones religiosas y paganas, ya que aunque la conmemoración cristiana se debe a la matanza, lo de las bromas se debe a la tradición pagana que celebraba una “fiesta de los locos”, por eso en los países anglosajones el día de las bromas se celebra el uno de Abril, porque mantienen la tradición pagana, pero no comparten la cristiana (Esto lo he visto en Ya esta el listo que todo lo sabe, que da una explicación mas larga, mejor y mas completa de todo esto y alguna cosa mas).

Supongo que este toque macabro de celebrar una matanza de niños haciéndonos bromas tiene que ver también con que en el fondo, una broma es timar a alguien para reírnos, lo cual también tiene algo de macabro, pero la diferencia es que la intención final se supone buena, ya que la burla, o al menos eso decimos, no es para reírnos de el, sino para reírnos con el.

A este respecto he leído en el recién estrenado soitu.es, una historia muy interesante sobre estos dos que veis en la foto.

Son los duques de Windsor en 1957 fotografiados por Richard Avedon, tras recibir la noticia de que un perro había sido atropellado. Fijaos bien en su cara porque es la cara de unos timados, y ahora os cuento porque.

El fotógrafo tenia que sacar una foto representativa de los duques y estos solo le ponían “caras de poker”, así que se invento la historia de que por el camino había atropellado a unos perros y justo en ese momento, apretó el disparador.

Evidentemente no es exactamente una broma lo que hizo el fotógrafo, ciertamente es algo macabro, una manipulación de la realidad podríamos decir, pero el resultado es probablemente es el mas real que pudo haber conseguido.

Lo inmediato no es lo importante, sino el efecto que produce saber que te han timado cuando la broma se descubre, sentirse un inocente, eso es exactamente lo que se ve en la foto, dos inocentes.

Por cierto, hoy hace un año que se cargaron a Saddam Husein y lo retransmitieron por las televisiones de todo el mundo, una y otra, y otra, y otra, y otra vez…. eso si que parecía una broma.

Tenia las fotos del ultimo viaje a Barcelona un poco abandonadas, pero después del Edificio Gas Natural y el Palau de la música, aun me quedaban algunas fotos de sitios “significativos” de Barcelona.

La torre de comunicaciones de Calatrava fué construida para Telefónica en el corazón del anillo olímpico en 1992, para llevar la cobertura de los juegos. Aparte de su forma estructural distintiva, la torre es innovadora en incluir la plataforma circular, substituyendo el alboroto normal por un sereno arco blanco. Su construcción se inició en 1989 y finalizó en 1992.

Para mi no esta mal, la torre es original en la forma y da una imagen bastante limpia, sin demasiado artificio para lo que suele ser calatrava en ocasiones… La forma total de la torre se basa en un bosquejo de Calatrava de una figura que se arrodilla haciendo un ofrecimiento.

La base en la cual la figura “arrodillada” se cubre en azulejos esmaltados quebrados en honor a Gaudi (sin embargo con colores más refrenados) es quizás la parte mas floja, el apoyo es correcto, pero el elemento en el que se apoya, es mas un pastiche innecesario que algo que vaya en conjunto del resto de la torre, aunque quizás esa fuese la intención…. La orientación de la torre hace que la sombra de la aguja central en la plataforma circular actúe como un reloj solar, aunque como suele ocurrir con Calatrava, es poco practica.

Lo mejor de la torre es que funciona como icono, que es lo que Calatrava reclama de sus obras (o eso saco yo del pleito de Bilbao), que sean tratadas como “obras de arte” individuales, y bueno, en el fondo tiene razón, esta torre es un buen ejemplo de ello. Podrá ser fútil, inpractica, incluso exagerada, pero no se le pude negar que es un icono, y que como tan funciona bien.